Cinema, teatro, musica

Naza

di Yuval Abraham, Rachel Szor

Gran Bretagna 2026, 80'

versione con voice over in italiano

Premio Speciale della Giuria alla Mostra del Cinema di Venezia 2026

ven 9 ott (15.30 ita) (18.00 vos)

sab 10 ott (15.30 - 21.00 ita)

dom 11 ott (15.30 - 18.00 ita)

lun 12 ott (18.00 - 21.00 ita)

Durante conversazioni segrete che si svolgono di notte sui tetti di Tel Aviv, i meccanismi alla base della sterminazione di massa pianificata da Israele ai danni dei civili palestinesi a Gaza vengono svelati proprio da coloro che li hanno progettati e messi in atto.

Yuval Abraham e Rachel Szor firmano un'inchiesta coraggiosa e sconvolgente, premiata con il Premio Speciale della Giuria alla Mostra del Cinema di Venezia. Costruito sulle rivelazioni e sulle registrazioni notturne di ventiquattro ex membri dell'intelligence e dell'apparato militare israeliano, il documentario squarcia il velo sui sistemi tecnologici e informatici applicati a Gaza. Dalle intercettazioni di massa all'hackeraggio, fino all'uso sistematico dell'intelligenza artificiale per il monitoraggio della popolazione, le voci anonime dei testimoni raccontano dall'interno i meccanismi di una campagna di sorveglianza e attacco senza precedenti.

«Abbiamo realizzato questo film spinti dal senso del dovere di utilizzare la nostra posizione di registi e giornalisti israeliani per analizzare i meccanismi che stanno dietro al massacro di civili palestinesi di cui il nostro Paese è responsabile. Mentre negli ultimi tre anni riprendevamo di notte i membri dell’esercito israeliano sui tetti di Tel Aviv, ci siamo ritrovati a porci le stesse domande che si era posta la generazione dei nostri nonni e che sono state poste per tutto il XX secolo: come può un gruppo di persone permettere la totale disumanizzazione di un altro gruppo? Come funzionano i meccanismi interni di un sistema del genere? Molte delle rivelazioni contenute nel film sono state pubblicate quasi immediatamente non appena ne siamo venuti a conoscenza, nei mesi successivi agli attacchi del 7 ottobre, da "The Guardian" (uno dei produttori di Naza), in collaborazione con i partner giornalistici "+972 Magazine" e "Local Call". Il film ci permette di esplorare qualcosa di più profondo di quanto potremmo fare con il solo giornalismo d’inchiesta: non solo le parole che vengono dette, ma anche quelle che non vengono dette, il silenzio. Spetta a tutti noi rompere quel silenzio». (Yuval Abraham, Rachel Szor)

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Her private hell

di Nicolas Winding Refn

con Sophie Thatcher, Charles Melton

Danimarca 2026, 109'

ven 9 ott (21.00 vos)

sab 10 ott (18.00 ita)

dom 11 ott (21.00 ita)

lun 12 ott (15.30 ita)

In una metropoli del futuro, una giovane donna si mette sulle tracce del padre scomparso mentre una misteriosa nebbia diffonde una presenza letale e inafferrabile. Nel corso della sua ricerca, il suo destino si intreccia con quello di un soldato americano, impegnato in una disperata missione per strappare la propria figlia all’Inferno.

Presentato in anteprima al Festival di Cannes, il nuovo film di Nicolas Winding Refn (Drive, Solo Dio perdona, The Neon Demon) è stato tra le opere più sorprendenti e dibattute del Festival, grazie alla sua visione audace e a un linguaggio cinematografico privo di compromessi. Caratterizzato dalla sua inconfondibile fotografia al neon, da un’atmosfera inquietante e suggestiva e da un’inebriante colonna sonora del leggendario compositore Pino Dinaggio, Her private hell è un’esperienza mozzafiato e caleidoscopica, pensata per ipnotizzare e sedurre.

«Her private hell è la storia di una ragazza alla ricerca del padre ideale, finché non si rende conto che quell’uomo non è mai esistito se non nel suo stesso desiderio. Quella che inizia come la ricerca della figura paterna assoluta si trasforma poco a poco in un viaggio interiore. Rinunciando alla fantasia del padre perfetto, scopre che crescere non significa aspettare di essere salvata, ma trovare il coraggio di tracciare la propria strada. Quando l’illusione svanisce per lasciare spazio alla realtà, si trova di fronte a un’ultima scelta: rimanere prigioniera dell’inferno intimo che si è costruita, oppure abbracciare l’incertezza dell’età adulta e avere finalmente una vita propria. Il film riflette anche la mia esperienza personale come padre di due figlie. L’emancipazione di una figlia trova eco nell’accettazione, da parte di un padre, del fatto che l’amore consiste anche nel farsi da parte, nel rinunciare a proteggere, per lasciare che il proprio figlio diventi ciò che desidera. Questo percorso intimo è, per me, indissolubilmente legato alla presa di coscienza della mortalità. Conferisce all’atto di creare un’urgenza che non può essere separata dall’atto stesso di vivere. Nel film, Elle, come incarnazione del suo padre ideale, Private K, segue lo stesso percorso di metamorfosi: quando la fantasia svanisce, si apre un altro spazio, dove tutto può finalmente ricominciare». (Nicolas Winding Refn)

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Nino

di Pauline Loquès

con Théodore Pellerin, Jeanne Balibar, William Lebghil

Francia 2025, 96'

mar 13 (15.30 - 21.00)

mer 14 (18.00)

Migliore opera prima e Migliore promessa maschile (Théodore Pellerin) ai César 2026; Gran Premio della Giuria alla Festa del Cinema di Roma 2025.

Alla vigilia del suo ventinovesimo compleanno, Nino Clavel viene travolto da una notizia devastante. Una vita fatta di decisioni rimandate e impegni presi con leggerezza si trasforma improvvisamente in urgenza: ha tre giorni per prendere scelte decisive sul proprio futuro e portare a termine due compiti essenziali. Nino fatica a confidarsi con chi gli sta accanto e il peso dell’attesa si riflette nella stessa Parigi, ritratta in una dimensione sospesa e straniante. Nel suo vagabondare per la città, il giovane si mette in ascolto del mondo, degli altri e di sé.

Un ritratto delicato e profondamente umano di un giovane che affronta la prima grande sfida della sua vita con sorprendente resilienza; una toccante riflessione su ciò che condividiamo — e su ciò che teniamo per noi — quando il tempo sembra improvvisamente accorciarsi.

«Volevo scegliere un tipo di cancro che colpisse i giovani e che fosse curabile, perché per me era importante salvare il mio personaggio. Volevo anche esplorare eventuali esiti positivi di un’esperienza traumatica come questa e vedere se Nino potesse in qualche modo usarla a suo vantaggio nella vita — se riuscisse a trovare la sua strada verso un futuro più luminoso. Sono attratta dalla banalità della vita quotidiana, dal mondano, e volevo approfondire questo periodo di stallo. Tra questi due eventi fondamentali — ricevere la diagnosi di cancro e iniziare le cure — ci sono giorni e notti da superare... come fa una persona ad affrontarli? Dato che il mio processo di scrittura prevedeva di seguirlo da vicino, mi piaceva l’idea di vivere quasi in tempo reale insieme a lui. È anche un modo per esaminare il momento presente in cui facciamo tanta fatica a vivere quando siamo persi nei rimpianti e nelle proiezioni sul futuro. È profondamente umano soffermarsi sulla nostalgia o sui desideri futuri; è raro essere soddisfatti esattamente dove ci si trova». (Pauline Loquès)

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Resurrection

(Kuáng yě shídài)

di Bi Gan

con Qi Shu, Mark Chao, Jackson Yee 

Cina 2026, 157' - in cinese mandarino con sottotitoli in italiano

mar 13 (18.00)

mer 14 (15.00 - 21.00)

Premio speciale della Giuria al Festival di Cannes 2025

Resurrection di Bi Gan è un'elegia visiva che intreccia la storia del Novecento cinese con l'evoluzione del linguaggio cinematografico. In un futuro distopico, l'umanità ha rinunciato ai sogni in cambio di un'inconsapevole immortalità. I protagonisti vivono ai margini come "vampiri" o spettri, accettando la caducità pur di continuare a nutrirsi di immagini e percepire il mondo. Proprio come la pellicola si dissolve alla luce del sole, queste creature deperiscono pur di preservare la dimensione onirica. Un giovane sognatore intraprende un’odissea onirica attraverso le epoche e i generi. Una ragazza, determinata a scoprire la realtà che si nasconde tra le pieghe del sogno, lo segue nelle sue peregrinazioni.  

L'opera si sviluppa come un viaggio sensoriale in più capitoli, ognuno legato a una specifica fase della settima arte: dagli esordi del muto con gli omaggi ai fratelli Lumière, passando per le avanguardie storiche, il noir e il dramma buddista, fino al mélo post-Wong Kar-wai costruito su un virtuosistico piano-sequenza notturno. Attraverso un repertorio visivo sbalorditivo — fatto di long take, dolly zoom, rifrazioni e un uso evocativo dei colori neon — Bi Gan aggira la censura pechinese ed erige un elogio dell'illusione. Quest'ultima diventa così un gioco cosmico e una risposta politica al pragmatismo economico della Cina contemporanea. Il film si inserisce pienamente nel solco del cinema teorico di autori come Carax, Lynch..., celebrando la sala come uno spazio di metamorfosi perpetua. In definitiva, l'opera dimostra come "risorgere" non significhi necessariamente inventare il futuro, ma continuare a evocare con coerenza i fantasmi del passato del cinema. Un capolavoro cinefilo ipnotico, potente e immaginifico che trascende ogni confine.

«Volevo che lo spettatore potesse vivere, come il protagonista del film, l’esperienza di attraversare un intero secolo. Con Resurrection ho cercato di riportare in vita la bellezza che un tempo apparteneva al cinema». (Bi Gan)

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FLIGHT - Mostra Internazionale del cinema di Genova

Un festival che si è affermato a livello internazionale grazie alle sue incursioni ed esplorazioni sui confini più avanzati e coraggiosi del linguaggio cinematografico, guardando ai grandi maestri del passato e alla sperimentazione contemporanea. 

gio 15 ott (dalle h.18.00 ingresso pomeriggio o sera 5€)

h.18.00 

Everything needs to live

di Tetyana Dorodnitsyna, Andrii Lytvynenko 

Polonia 2024, 70' - ospiti i registi

Quando il mondo intero intorno a lei è piombato nell’oscurità, Anna ha deciso di restare in Ucraina, nella sua città natale, per aprire un centro umanitario e aiutare animali e persone in città e in prima linea. Everything needs to live ritrae l’insolita vita quotidiana di Anna Kurkurina, atleta carismatica, 'la donna più forte del mondo', attivista per i diritti degli animali e lesbica dichiarata. Fin da piccola, Anna ha dimostrato di avere un legame speciale con gli animali. Ha insegnato biologia a scuola e ha lavorato allo zoo locale. All’età di quarant’anni, ha deciso di intraprendere la carriera di sollevatrice di pesi, è diventata tre volte campionessa del mondo e ha iniziato a lavorare come allenatrice di giovani con disabilità. 

Tetyana Dorodnitsyna è una regista, montatrice e artista visiva. Si è laureata presso il dipartimento di regia dell’Università Nazionale di Teatro, Cinema e Televisione “I. K. Karpenko-Kary” di Kiev. È autrice dei cortometraggi Wolves (2023) e Who is Katya? (2019). Ha lavorato per emittenti televisive, case di produzione cinematografiche e per lo studio cinematografico Kyivtelefilm. È montatrice di Roses. Film-Cabaret (2021) e Askania reserve (2019). Ha ricevuto la borsa di studio presidenziale ucraina per il suo film Where is the dog buried? (2020).

Andrii Lytvynenko è un regista e produttore cinematografico. Si è laureato presso l’Università Nazionale di Teatro, Cinema e Televisione “I. K. Karpenko-Kary” di Kiev e presso lo Studio di Documentari della Scuola Wajda in Polonia. È il regista di diversi film tra cui Askania reserve (2019), che ha ricevuto il Premio per il Miglior Film al festival Docudays UA e il Premio Speciale della Giuria al Pelicam Film Festival. Per il film Where is the dog buried? (2020), ha ricevuto una borsa di studio dal Presidente dell’Ucraina. 

h.21.00 

Totò Cannibale

di Demetrio Giacomelli 

Italia 2026, 60' - ospite il regista

Totò Cannibale è un film apotropaico che descrive il progressivo declino dell’Occidente verso uno stato bestiale, in cui la cultura e la civiltà sono diventate ostacoli al dominio sempre più brutale della logica dei rapporti di potere. Per affrontare l’orrore e la paura di questo futuro — quello in cui suo figlio dovrà crescere — il regista si divide in un alter ego: Totò Cannibale. Attraverso di lui mette a nudo, senza compromessi, l’orrore che alberga dentro di lui. Ciò che lo salverà, o almeno renderà tutto più sopportabile, sono solo la letteratura e l’arte, capaci di riconciliarlo con la parte più inaccettabile e ambiguamente pericolosa dei suoi impulsi, con il lato oscuro del desiderio. 

Demetrio Giacomelli (Genova, 1986) si è diplomato in pittura all’Accademia di belle arti di Genova. Ha lavorato come assistente alla regia per il regista Paolo Caredda nei documentari Gli italiani e il fumetto e Fino all’estremo. Nel 2014 ha co- fondato il "Progetto Aves" con il quale ha partecipato alla 14° Biennale di Architettura di Venezia. Ha partecipato a diversi Festival tra cui due edizioni del Pesaro Film Festival (2016, 2017) e i suoi film sono stati premiati nel Torino Film Festival (2017), al MAXXI di Roma (2017) e nella sezione Prospettive del Filmmaker Festival di Milano (2017, 2018). Tra le sue opere più recenti: Drive-in (2018), L’uomo raccoglitore (2019), The Kennel (2021), Lotta di Classe - Il cinema dei ragazzi di Emilio Sidoti (2021).